Als Geburtsstunde des Deutschrock gilt bei vielen das Jahr 1968. In diesem Jahr fanden die “Essener Songtage” statt und hier hörte man das erste Mal Lieder, die sich nicht mehr an amerikanische Stilelemente anlehnten, sondern sich gänzlich vom “ausgeliehenen” Musikgut unterschieden. Zwar sangen die ersten Vertreter der neuen Stilrichtung aus West und Ost (Kraftwerk, Amon Düül u.a) noch in englischer Sprache, die neue Ausrichtung war aber bereits deutlich spürbar. Spätestens mit Udo Lindenberg, den Pudhys oder Karat hielt dann die deutsche Sprache Einzug in die Tonstudios. Sie sorgten dafür, dass der Deutschrock gesellschaftsfähig wurde und sich entweder schon bestehende Plattenlabel um die Künstler bemühten oder ganz neue Plattenfirmen entstanden, die sich auf die neue Richtung spezialisierten. Hier waren hauptsächlich die neu gegründeten Brain- und Zebralabel die Vorreiter dieses neuen Genres.

Musiker wie Marius Müller Westernhagen oder Udo Lindenberg versuchten, den Deutschrock mit Elementen aus dem Bereich Pop zu verbinden und zu Beginn der 80er Jahre hielten zudem Einflüsse aus der Punk- und New-Wave-Szene Einzug. Die Neue Deutsche Welle nahm diese Richtungen ebenso auf wie Nina Hagen mit ihrer Band, die allerdings stärker vom Punk her die Musik des Deutschrock prägte.

In den 80er Jahren nahmen Künstler wie Peter Maffay, Herbert Grönemeyer und Heinz Rudolf Kunze starken Einfluss auf den Deutschrock. Aber auch Musiker aus dem Schlagerbereich wie Gitte Haenning oder Juliane Werding gestalteten ihre Songs mit rockigen Elementen aus. Eine wichtige Veränderung brachte die sogenannte “Hamburger Schule” ein, indem sie die Songtexte mit mehr intellektuellem Tiefgang versah.

Inzwischen hat sich der Deutschrock stark aufgesplittet und verschiedene Richtungen suchen die Anlehnung bzw. wurden in den Deutschrock integriert. Vertreter aus den Bereichen HipHop, Techno, House und Metal bemühen sich heute, eine Verbindung mit der Rockmusik herzustellen.

Die deutschsprachige Rockmusik hat mit ihrem inzwischen breitgefächerten Spektrum großen Einfluss. Viele junge Bands wie Tokio Hotel lassen gesellschaftskritisches Gedankengut des früheren Deutschrock hinter sich und präsentieren Songs, die geprägt sind von Optimismus und positiver Einstellung. Dass der Deutschrock auch auf internationaler Ebene erfolgreich sein kann, beweist seit vielen Jahren die Band Rammstein.

House Musik ist auch heute noch sehr erfolgreich. Zahlreiche Unterground und Club DJ´s haben sich dem Musikstil verschrieben. Musik-CD´s mit echten innovativen House-Tracks sind nur sehr selten im Handel zu finden. Dort werden meist nur dem Massengeschmack angepaßte Handbag-House CD´s angeboten. Der Begriff Handbag-House leit sich von den Frauen ab, die ihre Handtasche mit auf die Tanzfläche nehmen. Neue House Tracks lassen sich am ehesten im Internet finden und via Audio-Download auf den MP3-Player laden.

Die noch erfolgreichere Stilrichtung Techno entwickelte sich aus dem House. Techno ist die schnellere und “maschineller” klingende Musik, obwohl die beiden Stile sich nur sehr schwer abgrenzen lassen. Daher wurde anfangs auch der begriff Techno House geprägt. Mittlerweile ist Techno House jedoch eine eigene Stilrichtung. Ein wirklich guter House-Produzent ist in der Lage, aus wenigen Sequenzen eine große Housescheibe zu kreieren. Der Gehalt der Musik reduziert sich dadurch, es ensteht eine gewisse hypnotische Monotonie, die durch die Lautstärke auf der Tanzfläche zu tranceartigen Zuständen bei den Zuhörern führen kann.

Mittlerweile gibt es zahlreiche House-Stile, die von verschiedenen Ikonen der Szene geprägt wurden. Bob Sinclar steht beispielsweise für Reggae House, Roger Sanchez und Erik Murillo für Ibiza House, DJ Vive für Tribal House, MC Hammer für Hip House und Milk & Sugar für Disco House. Weitere Stilrichtungen sind Acid House, Chicago House, Elektro House, Minimal House und Vocal House.

Konzerte geben die Stars der Szene in der Regel nicht. Ihre “Live”-Gastspiele finden ausschließlich hinter den Mixpulten der Diskotheken statt. Eine Ausnahme ist Bob Sinclar, der teilweise auch live performt.

Bands wie Depeche Mode, OMD, New Order oder auch das Electric Light Orchestra begannen mit dem Electro-Pop Anfang der 80er Jahre diese Musikrichtung zu prägen. Mit den Möglichkeiten der modernen Technik bekam die Popmusik dann unterschiedliche Facetten uns stellt heute neben dem Hip-Hop und einem kleinen, verblieben Anteil an Rock den größten Teil der aktuell in den Charts gelisteten Musikrichtungen.

Charakteristisch für Popmusik sind eingängige Melodien, welchen an Interpretationsmöglichkeiten von der ruhigen, einfühlsamen Ballade bis zur schnellen Tanznummer keine Grenzen gesetzt sind. Die – auch bei deutschsprachigen Bands – meist englischen Texte sind wegen ihrer durchdachten Reime einprägsam und gut mitzusingen. Der Inhalt der Texte ist bei Bands, denen es mehr auf die Musik ankommt, sehr seicht, manchmal fehlt es an greifbarem Inhalt. Da Popmusik jedoch entspannen und unterhalten soll, sind die Texte häufig eher zweitrangig.

Es gibt aber auch Ausnahmen: Die Berliner Band Rosenstolz machte in den ersten Jahren ihres Bestehens eher chansonlastige Musik, mit ihrer Wandlung zum Pop kam der durchringene Erfolg, obwohl sie nach wie vor deutsch singen und sehr viel Wert auf hochwertige Texte legen, die sich leicht einprägen und doch zum Nachdenken anregen. Aber auch bei Bands wie den Ärzten oder den Toten Hosen ist eine Wandlung vom Rock hin zur Popmusik zu beobachten: Die harten Gitarren weichen elektronisch erzeugten Melodien, die eingänglicher sind und ein breites Publikum ansprechen. Auf ihren Konzerten performen die Bands dann ihre Charterfolge im Genre Rock, was die Fans immer wieder restlos begeistert.

Der weltweite Erfolg des Genres Popmusik ist in den bereits angesprochenen zahlreichen unterschiedlichen Facetten begründet: Auf den Musik-CD’s der Bands finden sich Balladen ebenso wie schnelle Nummern, was dafür spricht, dass Popmusik nicht mehr in ein Schema gepresst werden kann. Ihre Lieder können sich sogar in Richtung Schlager bewegen, jedoch ohne dass ihnen der Schmalz der 70er Jahre anhaftet. Ein sehr erfolgreiches Beispiel ist der österreichische Musiker DJ Ötzi.

Der erfolgreiche Popproduzent Dieter Bohlen dagegen brachte insbesondere als Modern Talking zusammen mit dem Sänger Thomas Anders über Jahre hinweg viele Nummer Eins Titel hervor, welche zum Verwechseln ähnlich, aber durch ihren eingängigen Rhythmus immer wieder neu ins Ohr gingen.

Dass Yvonne Catterfeld mit ihren sanften, deutsch gesungen Balladen, aber auch Mark Medlock mit seinem Pop, welcher dem amerikanischen Blues ähnelt, ebenfalls erfolgreich die Charts stürmten, zeigt nicht nur die Vielseitigkeit Dieter Bohlens, sondern auch die vielen Gesichter der Popmusik.

New York, Anfang der 1970er Jahre – hier ist die Geburtsstunde des Rap zu sehen. Rassenunterschiede wurden von offizieller Seite dementiert. Dennoch herrschte Armut, Bandenkrieg und Drogenhandel in den sozialkritischen Vierteln der Metropole. Meist afroamerikanische und puertoricanische Jugendliche suchten ein Ventil für ihre Unzufriedenheit und fanden dieses in den Clubs der Stadt. Hier heizten neben den Deejays so genannte MC`s (Master of Ceremony) die Stimmung an. Ursprünglich aus der Interaktion der MC`s mit dem Publikum hervorgegangen, wurde der Rap schnell mehr als Song-Ansage, Shout-Out und Kommentar für die nächste Platte.

Die Reime wurden komplexer, die Themen sozialkritischer, Botschaften entstanden.
1970 verwendeten die Last Poets die Wörter und die Sprache von Malcom X als Grundlage ihrer politischen Raps.

Kool Moe Dee erweiterte die ursprüngliche Aufgabe der MC`s, indem er sich selbst lobte und die Schwächen seiner Gegner im Sprechgesang aufzeigte. Der Battle-Rap wurde geboren. Einige Jahre später entstand unter der Federführung des bislang weniger bekannten MC`s Scholly D der so genannte Gangsta Rap. Dieses Genre stieß allerdings wegen seiner unmoralischen Gewaltverherrlichung auf große Kritik. Die Künstler erklärten ihre Texte allerdings damit, dass sie die Zustände in den Ghettos möglichst realistisch beschreiben wollten, um diese dann ändern zu können. Diese Auslegung ist allerdings umstritten.

1988 gelang den Public Enemy wohl die Produktion einer der bedeutendsten Hip Hop-Platten, die je produziert wurden. Die Raper gründeten mit ihren höchst politischen Texten ein neues Genre, den Conscious Rap. Der Hip Hop wurde eine ernstzunehmende Kulturrichtung mit politischen Werten und Botschaften.

Die Geschichte des Hip Hops wird leider dominiert durch die weltbekannte Rivalität zwischen East Coast und West Coast. Bei dieser Fehde ging es keineswegs um territoriale Auseinandersetzungen. Vielmehr bekriegten sich zwei unterschiedliche Labels in den jeweiligen Gebieten. Tragisch ist, dass zwei viel versprechende und engagierte Künstler dieser Auseinandersetzung zum Opfer fielen: 1996 wurde Tupac Shakur in Los Angeles erschossen; 1997 ereilte seinen Kontrahent Notorious B.I.G. in New York das gleiche Schicksal. Beide Morde wurden nie aufgeklärt…

Rap ist heute eine grenzüberschreitende Kunstform. Auch im deutschsprachigen Raum werden bestimmte Themen in dem typischen Sprechgesang proklamiert. Sicher ist die Sozialkritik etwas in den Hintergrund getreten, aber ein echter MC vergisst nie seine Wurzeln, Rhyme and Poetry.

Diese Aufsplitterung in verschiedene Richtungen blieb bis heute typisch für den Rock. Die Beatles legten den Grundstein für die spätere Pop-Rock-Richtung. Die Stones werden im Zusammenhang mit Hard-Rock oder Heavy-Metal genannt. Beiden ursprünglichen Richtungen war gemein, dass sie verpönt waren und für Rebellion standen. Der Höhepunkt dieser vermeintlichen “Rebellion” war sicherlich das Woodstock-Festival 1969.

Die 70er-Jahre wurden von Glam- und Hard-Rock dominiert. Bands wie T-Rex, The Sweet, Deep Purple, Led Zeppelin und Aerosmith feierten Riesenerfolge. Am Ende des Jahrzehnts wurde es allerdings ruhiger. Die fortschreitende Digitalisierung und der Erfolg der Discomusik drängten den Rock zurück. Auch die Musikszene beugt sich kommerziellen Zwängen.

Wollte man den Rock schon totsagen, so kam er doch immer wieder in den verschiedensten Ausprägungen. In den 80ern waren es Bands wie Bon Jovi oder Def Leppard, die von sich reden machten. Den Gegenpol bildeten Bands wie Metallica oder Iron Maiden, die ihre Gründung allerdings auch schon weit vor dieser Zeit hatten.

Noch ein Jahrzehnt später, allem Unkensagen zum Trotz, kam der Rock wieder an die Spitze, diesmal in Form des Grunge und Bands wie Nirvana.

Rock war nie ganz tot, nur manchmal etwas leiser. Dies sieht man an den vielen Konzerten, die schon seit Jahrzehnten jährlich veranstaltet werden und immer noch auf großes Interesse stoßen. Wenn auch die “Monsters of Rock”-Konzerte, die in den 80er- und 90er-Jahren sehr beliebt waren, abgesetzt wurden. So gibt es immer noch jährliche Festivals, wie etwa “Wacken”, “Roskilde Musikfestival” oder auch “Bochum Total”, die sehr eindrucksvoll unterstreichen, dass das Interesse an Rockmusik nach wie vor groß ist.

Seit 2000 erlebt der Rock gerade wieder eine Auferstehung. Noch nie waren so viele “Altrocker” wieder on Tour wie in den letzten Jahren. Alte Alben kommen remastered als Musik CDs auf den Markt. Audio Downloads alter Konzertmitschnitte sollen Appetit auf mehr machen.

Der Rock lebt! Oder wie ist es sonst zu erklären, dass ein Kid Rock mit seinem Song “All summer long” im Sommer 2008 weltweit die Charts stürmte?

Im Gegensatz zu Techno folgt Trance mehr mit harmonischen Klängen. Das Harmonieschema ist meistens einfach strukturiert. Die Harmonieklänge werden meist in der gleichen Reihenfolge immer wiederholt, so entsteht immer ein monotones Bild. Durch die ruhigen rhythmischen Abläufe kann sich der Hörer einfach in diese Klänge fallen lassen (wird auch Trance Zustand genannt).

Disc Jockey Sven Väth war auch maßgebend an der Entstehung beteiligt, besonders seine Projekte wie zum Beispiel “Cygnus X oder Odyssee of Noises” trugen dazu bei und befreuen sich noch heute nach langjähriger Veröffentlichungen großer Beliebtheit. Im Jahre 1993 und dem darauf folgenden Jahr nahm der Anteil an Produktionen sehr zu. Alte volkstümliche Lieder, die schon Jahre zuvor die Charts hoch geklettert waren wurden nun erfolgreich gecovert und vermarktet.

Obwohl die Trance-Szene immer mehr an Zuwachs gewinnen konnte, geriet sie in den Technobereichen immer zunehmend in Verruf. Ab dem Jahre 1996 nahm immer mehr das Interesse an der Stilrichtung Trance in Deutschland ab. Doch dafür wurde in den Niederlan den und in England eine eigene Trance-Kultur hervorgerufen. Rückwirkend betrachtet kann man sagen, dass die Musikrichtung eine erfolgreiche Laufbahn zurückgelegt hat und bestimmt auch so schnell nicht enden wird.

Die Betonung des ehrlichen Textes, der sich auf die Lebensrealität und die Gefühlswelt bezieht, aber auch oft soziale Ungerechtigkeiten anprangert, machte Folk und auch Country in den Jahren der Bürgerbewegung zum idealen Genre für Protestlieder und wurde damit auch im urbanen Amerika anerkannt und schließlich in Europa ebenfalls immer bekannter. Mit Joan Baez und Bob Dylan seien nur die beiden wichtigsten Akteure dieser Szene genannt.

Wollte man einen adäquaten deutschen Begriff für Folk und Country finden, dann wäre das wohl “Volksmusik”. Allerdings ist diese Volksmusik eben eine eher angelsächsisch geprägte und hat deshalb wenig mit dem zu tun, was in Deutschland darunter verstanden wird. Viele Folksongs und Countryhits, zum Beispiel von Dylan oder Johnny Cash wurden über die Genregrenzen hinaus berühmt und befinden sich mit Sicherheit auf dem MP3 Player von unzähligen Musikfans, die beim Gedanken an Volksmusik sofort abfällig die Nase rümpfen würden.
Und so haben sich Folk und Country ihre eigenen Kategorien bewahrt und die Musik CDs werden nicht zu ihren uncoolen Verwandten ins Volksmusikregal eingeräumt.

Während Folk grundsätzlich als Begriff für Musik verwendet wird, die aus der Folklore des jeweiligen Landes entstanden ist und somit international existiert, bezeichnet Country ein ganz spezifisch amerikanisches Genre, das allerdings in vielen Ländern Nachahmer gefunden hat. Jedoch konnte sich nirgends eine ähnlich ausgeprägte Szene entwickeln, wie in den USA rund um die Country-Hauptstadt Nashville/Tennessee. Dort bildeten sich vielfältige Subgenres wie Bluegrass, Honky Tonk und der Nahville Sound heraus.

Musikalisch charakteristisch für Country und Folk ist die Verwendung akustischer und traditioneller sowie einfacher und leicht zu transportierender Instrumente – vor allem Mundharmonika, Gitarre und Fiddle. Häufig kommen auch regionale Besonderheiten zum Einsatz, wie zum Beispiel der Dudelsack und Flöten beim Irish Folk.

Die Country Musik verfügt mit Autoharp und Steelguitar über zwei typische Musikinstrumente, die fast ausschließlich im eigenen Genre Verwendung finden und somit den ganz eigenen Country-Sound prägen, auch das Banjo ist eng mit Country verbunden. In der kommerzieller ausgerichteten Country-Strömung und im Folkrock haben aber auch elektrische Gitarren und Schlagzeug Einzug gehalten.

Wer zufällig auf ein Konzert mit Folk oder Country gerät, wird feststellen, dass viele Elemente die aktuelle Popmusik beeinflusst haben und es immer noch tun.

Man erkennt Reggae am typischen Beat, der sonst unbetonte Taktteile, sprich den zweiten und den vierten Taktschlag, betont. Ska arbeitet eher mit Offbeat und wirkt dadurch auch schneller und energiegeladener. Ohne Blechbläser ist Ska heute wie damals undenkbar. Ein Schlagzeug, Keyboard und Gitarre gehören ebenfalls zur klassischen Besetzung einer Reggae – oder Skaband. Der Gesang wird meist von einem Leadsänger und Begleitung übernommen.

Reggae und Ska ist auch Musik, die auf den Straßen Jamaikas gehört und gespielt wird. Sogenannte Soundsystems ersetzen anfangs das Medium Radio, das auf Reggae anfangs mit Nichtachtung reagiert hat. Die Soundmen luden zu Partys unter freiem Himmel zu den neusten Reggae-Hits ein. Auch heute werden neue Songs der Öffentlichkeit zuerst auf einem Dance, einer Party, vorgestellt und getestet. Namenhafte Soundsystems gibt es überall auf der Welt, wohin es jamaikanische Auswanderer mit Musikbegeisterung verschlagen hat. “The Trojan” und “Sir Coxsone Downbeat” waren unter den ersten erfolgreichen Soundsystems der Insel. Später gründeten die Väter dieser Soundsystems Reik und Coxsone jeweils die beiden wichtigsten Aufnahmestudios der Anfangszeit von Reggae und Ska, “Treasure Isle Sound” und “Studio One”. Bob Marley hat Reggae in der ganzen Welt bekannt gemacht und dem Musikstil ein Gesicht gegeben.

Heutzutage findet die Verbreitung von Reggae und seinen modernen Varianten Dancehall und Reggaeton über Musik CDs statt. Per Audio Download kann man sich die neusten Songs allerdings auch auf den MP3 Player ziehen. Ein wahrer Genuss der Musik kann aber nur bei einem Besuch von einem Konzert einer Reggaelegende, wie Freddie McGregor oder Lee ‘Scratch’ Perry, aufkommen.

Mit hervorgerufen wurde dieser Zusammenschluß durch das Wave-Gotik-Festival, dass seit 1992 alljährlich in Leipzig stattfindet. Zahlreiche Konzerte und Theaterdarbietungen gehören zum Programm, dass mancher auch nur im Internet miterleben kann und per Audio Download für sich abspeichert. Vorläufer des Festivals war ein schon zu DDR-Zeiten regelmäßig stattfindendes, verbotenes Treffen der “schwarzen” Subkultur anläßlich der Walpurgisnacht.

Oft wird der Gothic Rock auch als Untergruppierung des Dark Wave angesehen. Kennzeichnend sind in jedem Fall die Anklänge an die monumentale, mittelalterliche Chormusik, die einst in gotischen Kathedralen gesungen wurde, vermischt mit schrägen Punktönen, eine Art barocke Kostümierung der Anhänger und ein düster-romantisches Ambiente.

Vorläufer des Gothic & Wave-Stils waren Musiker wie David Bowie oder Wave-Bands wie The Cure. Als eine der ersten eigentlichen Gothic Bands kann die englische Gruppe “Bauhaus” bezeichnet werden, die 1978 in Northhampton gegründet wurde und die heute, nach nunmehr dreißig Jahren, immer noch besteht. Die neuesten Musik CDs kamen unter dem Namen “Go Away White” erst in diesem Jahr heraus.

Auch eine aus der Punkszene rund um die Sex Pistols entandene Dark Wave Band “Siouxsie and the Banshees” gehört zu den “Ursteinen” des Gothic & Wave, die noch heute manche Gothic-”Braut” mit ihrem MP3-Player im Ohr, auf ihrem Weg zu den geheimen Treffen, anhört.

Drachen, Spiegel, Lampen, Totenschädel – all das sind Insignien der Gothic & Wave-Kultur, einer Mode, die nun schon seit den Achtziger Jahren anhält. Die berühmtesten musikalischen Vertreter dieser Richtung, wie “Depeche Mode” auf der einen oder “Rammstein” auf der anderen Seite, legen nach wie vor ihre Alben auf und auch neuere Bands wie “Lacrimosa”, “Apocalyptica”, “Nightwish” oder “Rhapsody”, die alle ein wenig in Richtung “Dark Metal” abgedriftet sind, schwimmen im Fahrwasser des “Gothic & Wave”, dessen barocke, etwas morbide Ausstrahlung nach wie vor an Anziehungskraft besitzt.

Wenige klassische Jazzmusiker versuchten den Acid Jazz auch live auf der Bühne zu performen. Einer von ihnen war in Großbritannien Steve Williamson. Sehr schnell fand der Ausnahmemusiker dies jedoch einengend und widmete sich wieder anderen Projekten.

Die wichtigste Band der Acid Jazz-Szene sind die Brand New Heavies. 1992, zur besten Zeit des Acid Jazz, veröffentlichte die britische Formation ihr Erfolgsalbum “Heavy Thyme Experience Vol. 1″. Zwei Jahre später schaffen sie den internationalen Durchbruch mit den Hits “Midnight at the Oasis” und “Dream on Dreamer”. Auch heute sind die Brand New Heavies noch gut im Geschäft. Die Single Jump’N'Move ist Teil des Soundtracks des Computer-Animationsfilms “Happy Feet” und wird für den Soundtrack im Computerspiel NBA Live 2005 verwendet.

Sänger und DJ Rob Gallagher konnte mit seiner Band Galliano ebenso einige Erfolge feiern. Die Acid Jazz Formation veröffentlichte Anfang der 90iger Jahre zwei Alben und sechs Singleauskopplungen, mit denen sie in den Charts vertreten waren. Das Album “The Plot Thickens” landete in den Top 10 und verkaufte sich über 300.000 Mal. Die Single “Long Tine Gone” erreichte Platz 15 der Hitparade. Die Band spielte unter anderem bei Festivals wie Rock am Ring vor über 100.000 Zuschauern.